谁来买单? 反思“艺术慈善”的错位/拿督庄学腾
近年来，艺术家捐赠作品支持慈善事业已成为一种普遍现象。表面上看，这是一种充满美德的善举，展现了艺术家们的社会责任感和奉献精神。然而，在这丹青妙笔、翰墨飘香的背后，却隐藏着一个长期存在的价值迷思！
在要求艺术家支持慈善团体的同时，社会大众和慈善机构似乎已经习惯性地认为，艺术家理应无偿奉献自己的作品。一句“为了慈善”，便将艺术家们倾注了无数心血的艺术品轻易地划归为“免费”之列。这种现象不仅引发了艺术界内外的广泛关注，也引人深思：在艺术慈善的链条中，究竟谁在为艺术买单？
变相剥削艺术家
一幅艺术作品的诞生，凝聚着艺术家大量的时间、精力与心血。从最初的灵感萌发、构思立意，到搜集素材、反复修改，再到最终的创作完成、装裱运输，每一个环节都离不开成本的投入。
正如人们常说的“台下十年功，台上十分钟”，一幅看似轻松挥洒的作品，实则是艺术家们长期学习、艰苦创作、不断积累的集中体现。然而，在当前的艺术慈善捐赠模式下，艺术家往往处于一种尴尬的境地。他们的作品被慈善机构拍卖，所得善款用于支持公益事业，这无疑是值得赞扬的。
然而，在这种模式中，买家得到了心仪的艺术品，慈善机构筹集了善款，唯独艺术家，得到的往往只是一张感谢状，或是一个聊胜于无的参与证书。这种看似“三赢”的局面，实则隐藏着对艺术家劳动价值的漠视，甚至是一种变相的剥削。
更令人无奈的是，在社会上，长期以来存在着一种对艺术价值的认知偏差。很多人认为，艺术创作，尤其是中国书画等传统艺术形式，简单易行、成本低廉。他们轻描淡写地说：“唰唰几笔，几分钟搞定。”殊不知，这种论调不仅是对艺术创作的无知，更是对整个艺术家群体的极度不尊重。真正的艺术家，是将艺术创作视为生命，呕心沥血，方能成就精品。
需要经济支撑
此外，社会公众常常认为，艺术家是不食人间烟火的，似乎他们无需为生计发愁，可以超脱于世俗生活之外。然而，事实并非如此。艺术创作同样需要经济基础的支撑、艺术家也需要生活，需要养家糊口。“仓廪实而知礼节”，只有在满足了基本的生活需求之后，艺术家才能安心进行创作。如果连基本的生存都无法保障，又何谈艺术的繁荣发展？因此，要求艺术家无偿捐赠作品，无异于变相地剥夺了他们的劳动所得。
“君子爱财，取之有道”，艺术家通过自己的才华和努力，获得应有的报酬，天经地义，无可厚非。如果一味地强调“慈善”，而忽视了艺术家的生存现状，最终只会导致艺术创作的凋零和真正艺术人才的流失。
共同改变艺术生态
要改变这种所谓不公平的现象，需要整个艺术生态系统的共同努力。
首先，需要纠正社会大众对艺术价值的认知偏差，让人们充分认识到艺术创作的艰辛和不易。其次，慈善机构在运作过程中，需要充分考虑到艺术家的权益，在追求筹款效果的同时，给予艺术家应有的尊重和补偿。
再次，需要规范艺术市场，打击假冒伪劣、哄抬价格等乱象，建立健全的艺术品价值评估体系，保障艺术家的合法权益。很多自称艺术家但并非专业而只把艺术当其生活中的一种寄托，坐享所谓艺术人生，多为退休或钱不是问题的社群。最后，艺术行业协会应积极发挥作用，加强对艺术家权益的保护力度，为艺术家争取更多的权益。
法律途径维护权益
面对这种不公平的现象，艺术家们也需要勇敢地站出来，为自己正名，为行业发声。他们可以通过各种渠道，向社会大众普及艺术知识，宣传艺术价值，让更多的人了解艺术创作的艰辛和不易。同时，他们也应积极推动行业规范的建立，明确艺术家在慈善捐赠中的权益，并对慈善机构的行为进行约束。
艺术家可以通过法律途径维护自己的合法权益，对侵权行为进行追究。艺术家应对自己有一定的信心和售卖计划，而不是突然挂画、展览就希望卖得好。
抵制不公平待遇
此外，艺术家们也应加强团结，共同抵制不公平的待遇。
艺术推广者，作为艺术家和市场之间的桥梁，肩负着重要的责任。他们不仅要帮助艺术家推广作品，更要维护艺术家的权益，推动艺术生态的健康发展。买家也应该了解你们在买什么画，支持什么艺术家，虽然是为慈善，也应该为艺术家饭碗和自己的投资考虑，既然已经花钱，那就为全部利益相关者着想，给钱慈善，支持真正艺术家，买喜欢又有价值的画，传承下一代，推广艺术文化行业。
AI艺术崛起 艺术家何去何从?/拿督庄学腾
图/文|拿督庄学腾
在AI艺术迅猛发展的今天，几乎每个人只需输入几个关键词，便能生成“毕加索”、“达利”或“吉卜力工作室”风格的作品。AI艺术生成工具，如Midjourney、DALL·E等，极大地降低了艺术创作的门槛，使得“人人皆可成画家”。随着技术的飞速发展，这一变革不仅改变了人们对艺术的认知，也让传统艺术家面临着前所未有的挑战。那么，在这个智能化的时代，艺术家如何才能在AI浪潮中保持独特性、应对市场变化并实现自我突围？
人工智能艺术的崛起，不仅在视觉创作领域产生了深远影响，还开始在音乐、动画、装置艺术等多个领域掀起波澜。其本质基于大数据和深度学习算法，通过分析大量图像、艺术风格及创作手法，AI得以模仿并创新各种艺术形式。
如今，任何人只需输入一些简单的关键词，便能生成符合特定风格的作品。从表面上看，AI让艺术创作变得更为简便和普及，但也带来了诸多问题。其中，最直接的挑战便是原创性和版权问题。
原创性遭到质疑
AI可以模仿任何艺术家的风格，甚至将他们的创作进行拼接、创新。对于传统艺术家而言，AI的介入使得他们的艺术风格和身分变得模糊不清，原创性遭到质疑。正如艺术家村上隆曾在采访中提到的，“人工智能或许能够创造出一些令人惊叹的艺术作品，但它永远无法理解艺术的情感和背后的故事。”这句话深刻揭示了AI与人类艺术创作的本质区别。
此外，市场的饱和和价值的稀释也成为了艺术界的一大难题。由于AI生成的作品数量庞大，传统艺术市场的稀缺性和溢价能力受到严重冲击。原本属于艺术家独有的创作空间和市场价值，正逐渐被AI作品占领。传统艺术家的作品，如今面临着被模仿、重复甚至低估的风险。在这种情况下，艺术市场的竞争愈发激烈，艺术家的生存压力不断增加。
最为显著的挑战之一是，AI使得艺术创作的门槛降得越来越低。任何具有基础电脑操作能力的人，都可以通过简单的指令创作出所谓的“高质量”艺术作品。与传统艺术家需要数年乃至数十年的技艺磨砺相比，AI艺术大大削弱了“专业技能”的价值，使得艺术家的核心竞争力面临挑战。
品牌建设很重要
大部分资深国际演讲者在2024槟城国际艺术高峰会都认为，艺术和品牌是现在无法分开的关系。这都是因为艺术在大众的想法是可有可无，尤其在世界金融危机和经济不确定性的环境里，当然还是有一些人愿意买画，可是整体来说艺术品的买卖一定受到影响。所以很多人会选择买便宜的艺术或直接自己用AI做出来的，如此即不失脸面，还能高调说是自己的作品。这也是为什么品牌建设对艺术家和收藏家都很重要，因为它不仅定义了艺术家的独特性，也为收藏家提供了合理的价值依据。
然而，尽管AI艺术带来了如此多的挑战，但人类艺术家依然拥有AI难以企及的独特价值。艺术作品不仅仅是视觉图像，更是艺术家情感、思想与文化背景的表达。正如著名艺术家草野健太郎所说：“艺术的真正价值不在于画面本身，而是画家在作品中融入的情感与生活经历。”AI虽然能够模仿艺术风格，但它无法体会和表达艺术家的情感与故事。
此外，跨界与多元表达也是AI无法比拟的领域。人类艺术家能够将绘画、雕塑、表演、音乐等多种形式融合，通过多感官的艺术创作，打造独特的艺术体验。比如，日本的吉卜力工作室，其作品不仅仅是二维动画，而是融合了艺术家对自然、情感、文化背景的深刻理解与表达。吉卜力工作室的创始人宫崎骏曾公开表示：“我们不应该让机器代替艺术。真正的艺术应该能触动人心，机器不可能理解这一点。”
他坚信，艺术的力量来自于艺术家自身的人生经历和深刻的社会责任感。
应对策略与未来竞争力
面对AI技术的迅猛发展，未来的艺术家不仅要坚守自己的创作信念，同时要了解如何做足一系列的品牌理念和包装；只埋头苦干创作而忽略了对市场的演变和收藏家的要求已成过去。现在已经不单是人与人之间的竞争，这新时代已是艺术家和大众用AI竞争。
艺术家现在不可能只靠画廊或中间商人带卖，因为在利益为先的情况下，售卖已有名气且容易出手的艺术家是必然的，其他就当“配菜”顺其自然。所以艺术家非得露脸和收藏家交流，强化与观众的互动也是一种必不可少的策略。
讲解本身创作的想法与构思，分享创作的故事，让买家了解且带有体验感，以增强作品的深度和观众的参与感，认同与艺术家的理念，这样花钱的人会觉得有价值，也会对收藏品深感骄傲。
正如当代艺术家蔡国强所言：“每一件作品的背后都有一个故事。人们购买的不是艺术本身，而是背后那些能够打动他们的故事。”
成为“艺术家+AI”复合型人才
在AI作品泛滥的时代，艺术家的个人故事、成长经历、文化背景将成为其作品的重要附加值。
通过社交媒体、纪录片、访谈等多种方式，艺术家可以加强与观众的情感联系，塑造具有个性化的艺术品牌。
艺术家非但要把自己品牌做好，与其埋怨AI的存在，倒不如拥抱新技术，成为“艺术家+AI”复合型人才。
会创作，不懂新技术迟早会被淘汰，就如以前拥有手机是方便联络，现在手机如没有上网、拍照、玩游戏等的功能，那肯定没人会买。
所以艺术家也必须带有跨界与创新是未来关键的思维，艺术家也可以呈现原作与AI配合的创作，这样不但可以销售不同产品，也可以教导大众不同创作的分别与不同，无论是在价格或情感上，人类的制作与AI制做一定有区别性。
强化与观众互动
未来的艺术家将不再是单一的“画家”或“雕塑家”，而是能够驾驭新技术、跨界融合的“数字艺术家”。
同时，强化与观众的互动也是一种必不可少的策略。
随着艺术消费观念的变化，越来越多的观众开始注重“艺术体验”而非单纯的“艺术所有权”。
艺术家可以通过现场创作、艺术沙龙、工作坊等方式，增加与观众的互动和参与感。
此外，数字化艺术，如NFT和虚拟现实展览等，也为艺术家提供了新的展览和交易平台，艺术家通过这些渠道能够直接与全球观众建立联系，拓展市场。
成为品牌营运者
随着AI艺术的普及，艺术市场也发生了深刻的变化。高净值客户和收藏家对艺术作品的选择不再仅仅关注其视觉效果，更看重作品所蕴含的情感、背景和独特性。作为回应，艺术家不再仅仅是创作者，更是一个品牌营运者。通过社交媒体、线上平台以及与观众的深度互动，艺术家可以为自己的作品打造独特的市场定位。
与此同时，“艺术+科技”成为了新的风口。NFT、数字藏品、虚拟现实展览等新兴形式的艺术正在迅速兴起。艺术家不仅可以通过NFT实现作品的溯源与分润，还能通过虚拟展览和数字艺术节等形式，突破地域限制，拓展全球市场。这些新的艺术形式不仅推动了艺术创作的创新，也使得艺术市场的模式发生了根本性变革。
在这个过程中，随着AI艺术的普及，越来越多的爱好者和创作者希望系统学习艺术创作的技巧和理念，这也能给予人们更深入对艺术的理解，从而能够区分真正艺术家的创作与通过指令应用AI生成的作品之间的价值差异。
所以艺术家千万不能忘记初衷，为何搞创作，创作的意义，这应是艺术家最基本，也是最重要的底线。
一定要记得，收藏家花钱投资的创作一定有他们一套的期望，有经济价值、体验和文化价值的追求。
未来何去何从？
艺术家对AI能替代他们，砸了饭碗的恐惧是肯定难免的，而且艺术家也要接受AI是肯定长期存在的。现在生存之道就是了解AI的功能，形成“人机共创”的另一种可参考的新模式，推动艺术教育，让收藏家理解纯艺术家创作与人机共创的区别。
在这个AI浪潮的推动下，真正的艺术家是会不断进化，创造出更具体验感、情感深度和社会意义的作品，再创另一个里程碑，那些没有内涵且太守旧的逐渐会被淘汰。
真正的艺术必须包含艺术家如何分享其人生旅程，所经历的精神和灵幻，而不是随便一个人可以用AI制造出来的一张漂亮又好看的印刷，那只能说是一副有体无魂的作品。
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